Una mirada a la vida y obra de Diane Arbus

Soy Martin Kaninsky, de All About Street Photography, y en este video y artículo voy a hablar sobre un fotógrafo que es uno de los fotógrafos más conocidos y también más controvertidos de Estados Unidos, a veces denominado “fotógrafo de monstruos”. Es una mirada a la vida y obra de Diane Arbus.

Diane nació Diane Nemerov en 1923 en Nueva York de padres judíos que eran inmigrantes de la Rusia soviética. Eran bastante ricos, ya que poseían Russeks, una tienda por departamentos en la Quinta Avenida. Gracias a eso, no fue afectada por la Gran Depresión.

Sin embargo, ser una niña en una familia rica también significaba que fue criada principalmente por las criadas. Quizás era el ambiente en el que vivía que se separaba un poco de la familia. Aunque sus padres no la criaron directamente, tuvieron una influencia indirecta en su vida. Después de que su padre se retiró, se convirtió en pintor. Su hermana se convirtió en diseñadora y escultora, y su hermano, poeta ganador del Premio Pulitzer. Diane misma comenzó a pintar pero renunció justo después de terminar la escuela secundaria.

Arbus se casó relativamente joven a la edad de 18 años con un hombre llamado Allan Arbus. Ambos trabajaron en un negocio de fotografía comercial durante un tiempo entre 1946 y 1956. Desafortunadamente, el matrimonio no funcionó y se divorciaron en 1969. Su esposo se fue y se convirtió en actor. Es posible que lo recuerdes de la serie de televisión M * A * S * H ​​en la que interpretó al Dr. Sidney Freedman.

Pero no es de la vida personal de Diane Arbus de lo que quiero hablar, echemos un vistazo a su carrera fotográfica.

Arbus recibió su primera cámara (una cámara Graflex) justo después de casarse a la edad de 18 años. Su esposo era fotógrafo del Cuerpo de Señales del Ejército de EE. UU. En la Segunda Guerra Mundial. Comenzó a tomar clases de fotografía con Berenice Abbot, una fotógrafa mejor conocida por sus retratos.

En 1946, Diane y su esposo comenzaron Diane & Allan Arbus, un negocio de fotografía comercial donde ella tendría el papel de directora de arte. Era responsable de conceptos y modelos, lo cual no era un sueño hecho realidad para ella, ya que veía su posición como muy poco satisfactoria. Aunque a Diane y Allan no les gustaba particularmente la fotografía de moda, el negocio producía fotografías para los anuncios de Russek y también para revistas de moda como Vogue, Glamour o Seventeen.

El dúo tuvo bastante éxito. Una fotografía que hicieron para la revista Vogue de un padre y un hijo leyendo un periódico se incluyó en la exposición del Museo de Arte Moderno “La familia del hombre” en 1955.

Al principio, Diane Arbus admiraba el aspecto granulado que la cámara y la película podían producir. Su cámara preferida fue primero una Nikon con una lente de 35 mm que usó para fotografiar la ciudad de Nueva York. A veces alrededor de 1962, ella cambió a una cámara Rolleiflex réflex de doble lente. La cámara de formato medio llegó a ser una de las firmas compositivas de Arbus.

Ella explicó esta transición diciendo:

“Al comienzo de la fotografía, solía hacer cosas muy granuladas. Me fascinaría lo que hacía el grano porque haría una especie de tapiz de todos estos pequeños puntos … Pero cuando había estado trabajando durante un tiempo con todos estos puntos, de repente quise terriblemente pasar por allí. Quería ver las diferencias reales entre las cosas … Empecé a exagerarme con la claridad”.

Diane Arbus más tarde comenzó a filmar lo que ahora podemos llamar su propio estilo de fotografía callejera. Una de las mentoras importantes en su carrera fue Lisette Model, una fotógrafa nacida en Austria, conocida principalmente por su fotografía callejera. Más tarde dijo que Arbus se acercó a ella diciéndole que no puede fotografiar.

“Quiero fotografiar lo que es malo”, dijo Arbus a Model, quien señaló que “[Arbus] estaba decidido a revelar lo que a otros se les había enseñado a darle la espalda”.

El esquema típico de su fotografía es un retrato frontal en formato cuadrado. Ella fue una de las pioneras en el uso del flash durante el día, que utilizó para aislar a sus sujetos. Lo que primero le gustó fue cómo altera la luz y revela cosas que normalmente no se ven. Quería tener quietud en su fotografía, y es por eso que siempre posó a sus sujetos en la calle o en sus casas.

Arbus hizo que los sujetos miraran directamente a la cámara para “congelar” la imagen. Sin embargo, como podemos ver en muchas de sus imágenes, el efecto fue todo lo contrario. Muchas de sus fotos se ven espontáneas.

Ver esta publicación en Instagram

📸 DIANE ARBUS 📸 ▪️ Child with a toy hand grenade in Central Park, NYC | 1962 | @metmuseum ▪️ This photograph of a wiry, maniacal boy clenching a toy grenade has become one of the most celebrated works in the history of the medium. Capturing the awkward tension between childhood play and primal violence, Diane Arbus offers a glimpse into the lives of the urban youth of 1960s America. ▪️ I was about five-years-old when I saw this photograph for the first time, and it terrified me. What five year old wouldn’t be frightened by the boy’s claw-like hand and demonic expression? But as I’ve grown older, Arbus has grown on me. Today she is among my favorite artists and this photograph in particular never fails to captivate me. ▪️ A little more about Arbus: she was known for her portraits of outsiders such as midgets, circus freaks, and transvestites. These photographs are important because they helped to expand our notions of acceptable subject matter. Furthermore, Arbus helped to normalize these ostracized groups by portraying them in fine art. By befriending, not objectifying, her subjects, Arbus was able to capture a rare psychological intensity in her work — just look at that face! ▪️ #dianearbus #arbus #metmuseum #moma #photography #photographer #art #contemporaryart #artist #artsy #instaart #blackandwhite #blackandwhitephotography

Una publicación compartida de Jack Wilks | Art Lover (@museum.addict) el

Niño con granada de mano de juguete en Central Park, N.Y.C. 1962 es probablemente uno de los más famosos. La imagen es inusual y (diría) un poco inquietante. Quiero decir, ver a un niño que parece tenso y enojado en una pose con los dientes apretados y sosteniendo una granada de mano en una mano con la segunda mano en forma de gesto de garra es un poco … inusual. Estar solo lo hace aislado de los demás en el parque.

La foto se considera una de las imágenes más importantes e influyentes del arte del siglo XX y la teoría del arte posmodernista. Cuando miramos la hoja de contacto, encontramos que Arbus tomó muchas fotografías “normales” del niño en el parque sonriendo y jugando. Sin embargo, cuando se trataba de elegir la imagen final, ella eligió la más expresiva.

El niño de la fotografía se llama Colin Wood, y luego dijo:

“Ella me atrapa en un momento de exasperación. Es verdad, estaba exasperado. Mis padres se habían divorciado y había un sentimiento general de soledad, una sensación de ser abandonado. Solo estaba explotando. Ella vio eso y es como … pena. Ella capturó la soledad de todos. Son todas las personas que quieren conectarse pero no saben cómo conectarse. Y creo que así es como se sentía ella misma. Se sentía dañada y esperaba que al revolcarse en ese sentimiento, a través de la fotografía, pudiera trascender”.

Lo interesante es que, más que disparar a sujetos al azar que conoció en la calle, Arbus a menudo intentaba desarrollar una relación personal con los sujetos y fotografiarlos con el tiempo. Ella comenzó a fotografiar de manera muy diferente de lo que era común hasta entonces. La intención detrás de esto era ser original y único.

‘Un bebé muy pequeño, N.Y.C. 1968 ‘es una fotografía de Anderson Cooper, corresponsal de CNN e hijo de Gloria Vanderbilt. Fue una de las fotografías que Arbus tomó para Harper’s Bazaar en 1968. Ella conocía a los padres, por lo que preguntó acerca de venir y pasar un tiempo fotografiando al bebé recién nacido.

Regresó repetidamente durante 3 semanas y tomó muchas fotos antes de finalmente elegir la publicada. El propio Cooper no lo encuentra inquietante. Según los informes, las fotografías de Arbus están en su habitación junto con una nota de Diane.

“Gigante judío en casa con sus padres en el Bronx, Nueva York, 1970”, es una fotografía de Arbus de Eddie Carmel parado en la sala de sus padres. Es un arquetipo de las fotografías de Arbus. Cuando era adolescente, a pesar de que Carmel tenía una estatura normal durante su infancia, Carmel comenzó a crecer sin control como resultado de la acromegalia. Creció a 8’9 ″, o 270cm. La foto parece una preparación para el retrato familiar.

Para mí, las viñetas intensifican su tamaño y la sensación voyeurística de la fotografía, como si estuvieras escabulléndote en la casa de alguien y mirándolo a través del ojo de la cerradura. Desafortunadamente, Carmel murió a la edad de 36 años, solo 2 años después de que Arbus tomara esta fotografía. Arbus creía que ella consiguió lo que llamó la pesadilla de todas las madres.

“¿Sabes cómo todas las madres tienen pesadillas cuando está embarazada de que su bebé nacerá como un monstruo?”, Dice Arbus. “Creo que entendí eso en la cara de la madre mientras miraba a Eddie, pensando:” Dios mío, no “.

Ver esta publicación en Instagram

My Hero.

Una publicación compartida de Diane Arbus (@diane_arbus) el

Una de mis fotos favoritas es “La chica en su disfraz de circo, Maryland. 1970”. De alguna manera no puedo evitar la comparación de la Mujer Maravilla del universo Marvel y para mí, esta foto es una representación de los años 70 y cómo probablemente retratan el tema en ese momento.

Los sujetos fotografiados por Arbus a menudo eran personas con vidas problemáticas, personas de la clandestinidad o simplemente personas que no eran aceptadas o respetadas por el resto de la sociedad. A menudo simpatizaba con ellos probablemente porque a menudo era algo que no podía experimentar en su vida: los sujetos tenían antecedentes completamente diferentes a los de ella.

Arbus dispararía a strippers, artistas de carnaval, travestis, miembros de la comunidad LGBT, nudistas o personas con discapacidades mentales. Ella dijo que los sujetos en sus imágenes eran más importantes para ella que la imagen misma.

“A algunas personas les gusta pensar que [Arbus] es cínico”, dijo el fotógrafo Edmund Shea. “Esa es una idea falsa total, ella era muy emocionalmente abierta. Ella era muy intensa y directa, y las personas relacionadas con eso “.

Quizás lo más valioso para ella no fue la fotografía sino el evento de visitar a alguien y el proceso de hacer las fotografías. No diría que estaba redefiniendo la belleza, pero tal vez mostrando el espacio entre cómo la gente quería ser vista y cómo se la veía. Cuando queremos saber qué tan influyente fue, creo que es mejor usar las palabras del crítico de arte Robert Hughes: “El trabajo de Arbus ha tenido tanta influencia en otros fotógrafos que ya es difícil recordar cuán original fue”.

Arbus recibió dos veces una beca Guggenheim; primero en 1963 para un proyecto llamado “Ritos, costumbres y costumbres americanas” y luego nuevamente en 1966. Durante la década de los 60, Arbus trabajó para revistas, pero también recibió todo tipo de comisiones. Tenía que hacerlo, ya que era bastante difícil. Es hora de ganarse la vida vendiendo fotografías de bellas artes. Aunque era una artista reconocida, sus impresiones generalmente se vendían por $ 100 o menos.

A medida que se hizo aún más reconocida como artista, tomó menos asignaciones de revistas y también enseñó fotografía en la ciudad de Nueva York y Rhode Island. Fue la primera fotógrafa en aparecer en Artforum, una revista internacional centrada en el arte contemporáneo.

Tuvo su primera gran exposición en el Museo de Arte Moderno en Nuevos Documentos en 1967, que fue una exposición de fotografía documental comisariada por John Szarkowski. Treinta y dos de sus fotografías fueron elegidas para la exposición que representaba una nueva dirección en la fotografía: sujetos ordinarios con una apariencia de instantánea. La exposición presentó trabajos de tres fotógrafos: Diane Arbus, Garry Winogrand y Lee Friedlander. Ninguno de ellos era bien conocido en ese momento.

Desafortunadamente, al igual que su madre, Arbus sufría depresión y hepatitis. Ella experimentó cambios de humor y su entonces ex esposo incluso habló sobre “cambios violentos de humor”. En 1971, Arbus se suicidó a los 48 años.

Hoy, las obras de Arbus se llevan a cabo en las colecciones del Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, la Galería Nacional de Arte de Washington, D.C. y el Museo de Arte del Condado de Los Ángeles, entre otros.


Sobre el autor: Martin Kaninsky es fotógrafo, revisor y YouTuber con sede en Praga, República Checa. Las opiniones expresadas en este artículo son únicamente las del autor. Kaninsky dirige el canal All About Street Photography. Puede encontrar más de su trabajo en su sitio web, Instagram y canal de YouTube.

Comparte amor
  •  
  •  
  •  
  •  
  •  
  •  
  •  
  •  
  •  
  •  
  •  

Deja un comentario

Tu dirección de correo electrónico no será publicada. Los campos obligatorios están marcados con *